＜The Marvel Symphonic Universe＞觀後感

　　這部Youtube影片是半瓶醋轉貼給我的，我的第一個心得就是，用影音來說明這種主題真的是比文字有趣多了，不過因為我不會運用影音媒介，只好用比較無趣的方法，就是文字來談了。這部影片出自著名的影音網站 Every Frame a Painting （幀影幀畫），主題是為什麼相對於其他系列電影的電影音樂，比如星戰系列，龐德系列，或者哈利波特系列，一般人會對漫威電影音樂毫無印象？

　　當然，古今對比的取樣偏差會在於，我們接觸許多當下的電影和電影音樂，但對於過去的作品，我們通常只記得經典，那些表現平凡的作品多被遺忘，因此如果概括地說今日的電影音樂表現不如昔日，未免有些偏見與盲點，如果拿影史前幾名的經典主題來當大魔王，多數電影配樂恐怕都過不了關。然而，影片的作者做了針對性的論述，也就是，針對漫威電影系列，它們明明就是製作水準與巿場表現都不下於星戰系列，龐德系列，或者哈利波特系列的作品，但音樂帶給大家的印象和記憶，為何如此模糊？

　　漫威系列電影音樂長期被爭議的，是它的主題，即使是同一個角色，都沒有連貫性，而且整個系列並不像星戰系列，龐德系列，或者哈利波特系列，有一個串連整個系列的主題旋律，這點，我個人也一直認為是個缺點。音樂主題的延續與拓展如果有好的構思，比較可以在系列電影配樂的表現上建立完整感，然而，我並不認為電影音樂之所以會被記得，只是因為它在系列電影中被完整保留，反覆出現。我們不用看五集＜鐵逹尼號＞才記得它的主題，Jerry Goldsmith的星艦主題被換掉很多次，也沒有因此就被遺忘。有些電影音樂廣為人知，比如＜火戰車＞或者＜教會＞，但恐怕認得音樂的人比看過電影的人還多。

　　無論是星戰，龐德或哈利波特的主題，它們都是在第一部電影出現時，就在觀眾心中留下深刻的印象，也是因為如此，它們才能在系列電影中，或者觀眾心目中，成為印象深刻，或者難以替代的主題，並不是因為系列電影原來就有保留特定主題的計劃，它們才會如此吸引人。漫威很多電影都比上述作品更賣作，主題如果夠好，理當如此，一個人物，一部電影，一次出場，就足以奠定某個主題的地位，而不是演過大家就忘了，後來被換來換去，觀眾也覺得差不多，或者根本沒感覺。

　　我覺得即使回到龐德主題首次出現的1962年，或是星戰序曲或原力主題首次出現的1977年，能哼出這些主題的人，也還是比現在能哼出任何一個漫威主題的人多得多。

　　這讓我想到小時候讀的樂評，特別是歐洲樂評的若干謬論，說John Williams的音樂之所以大受歡迎，是因為那些電影很賣座，不是因為音樂寫的好，現在證明了電影賣座和音樂深植人心，根本是兩回事。

　　這部影片提及幾個現象，指出這是漫威電影音樂不被記得的原因，我同意這些原因的確會影響電影音樂的表現，但我想這些並不是漫威電影音樂才有的問題，也不必然是電影音樂表現不出色，或者不被記得的理由，然而，我個人覺得討論這些現象是個有趣的主題。

　　這種問題拿來問一般觀眾，和拿來問電影樂迷，答案一定不大一樣，比如洛伊這種記得不少牛年馬月聽過的音樂的人，其實不太能體會為什麼有些音樂大家沒聽到也不記得。不過我想先提的就是，電影音樂的首要與必要功能，不必然是被記得，或者離開了電影大家還能記得認得，哼唱得出來，它最重要的是要滿足電影在運作當下的需求，我如果細說這些需求可能會讓文章偏離主題太遠，便先跳過這個非常廣泛而複雜的部份，但我想說明的是，不被記得的音樂在當下可以是功能有效的音樂，但是，通常大家在當下，甚至離開後還能記得的音樂，會更有效，而且對電影的表現有更大的提昇，觀眾能記得認得這些音樂，才能更清晰的感受這些音樂的運作佈局，以及它為電影所營造加強的層次與意境，而這些音樂如果還能獨立在電影外，也許會進一步演變出新的附加價值與文化現象，不過，我必須再把主題拉回討論漫威電影配樂的這部影片。
　
　　第一點，這部影片提到漫威電影音樂”很多是缺乏感情表逹”的氣氛音樂，觀眾感受不到感情衝擊，自然就覺得這些音樂可有可無，他舉的例子是第一集的＜鋼鐵人＞。一個短片的舉例只能容許幾秒鐘的片段，因此，用幾秒鐘的片段來定論整集＜鋼鐵人＞的音樂都缺乏感情，自然是過於以偏概全，何況，電影中本來就不是所有時刻的音樂，都必須感情濃厚。然而我個人覺得，＜鋼鐵人＞剛好是一個很好的舉例，因為它幾乎是漫威系列配樂中，感情表現最空洞的一集，即使在鋼鐵人首度著裝時，有一兩分鐘讓人興奮的樂章，但引擎才發動就熄火了。

　　然而平心而論，並不是所有漫威電影音樂的感情表逹都如此空洞，比如Brian Tyler，相對的，他的漫威電影音樂常讓人覺得情緒很飽滿。情感是音樂能動人的元素之一，Bernard Herrmann常說，電影音樂最重要的，是要說出影像上說不出來的情緒，這不一定是共識，也有導演認為情緒不見得要由音樂來指引，可能只需要音樂來提味，或者讓觀眾自己探索，但在一般商業電影中，運用音樂來強化情感張力是很常見的。

　　我個人覺得漫威電影音樂的情緒表逹，比較大的問題其實是，無論是空洞或飽滿，表現方式常常很單調，空就空到底，滿就滿到底，感受很平，如果沒有輕重起伏濃淡之分，就沒有立體感與層次感，要建立情感張力，是需要收放，構思，和佈局的，因此，漫威電影音樂就和很多商業電影音樂一樣，在情感上，它們主要的問題是不精細，這是整體配樂技巧的問題，不是從剪接一兩個片段，或者討論大家記不記得音樂主題能說明清楚的。

　　第二點，則提到漫威的配樂理念很直觀，電影上演什麼，就對應配什麼，音樂表現的，就是視覺上看到的東西，觀眾並不會因為音樂的加入，增加太多感受。這種做法的確是常見的配樂基本技，如果音樂寫的夠獨特，夠動人，這並不是個大問題，但如果音樂寫得很一般，很制式，那麼感受起來就是老梗而已，觀眾不會從音樂中獲得更多東西，聽過就忘了。

　　由這點反向思考，就是說音樂有時如果可以講出表相上沒有，但在精神上存在的東西，對電影會很加分，電影的層次和感受也會產生變化，這的確是一個很重要，也很高竿的技巧。我們拿John Williams的＜大白鯊＞為例，我們會覺得眼前的海洋因為有了配樂，感受就變了，我們覺得海底下有危險在接近，即使我們沒有看到它，音樂成為電影中一個看不見的角色，實質的影響觀眾，而且是以和影像不同的面相來影響觀眾，觀眾很難忽視這樣的作品。

　　John Williams的鯊魚主題構思，其實是導演意料之外的事，但我們有另一個John Williams的例子是星戰四，路克與雙星夕陽一景的配樂，原來John Williams寫了一個相對神祕，奇異而黑暗的樂章，因為在他的認知裏，雙星夕陽是個神祕的景色，黑夜即將來臨，而路克也將面臨新的冒險，但導演魯卡斯聽完卻覺得不大對勁，他告訴John Williams，他不要音樂描寫景色，沙漠裏的雙星夕陽，路克看了十幾年，看到快煩死了，他是不會有什麼神祕奇異的感受的，但魯卡斯卻覺得原力主題很適合這個時刻，路克的心中一直有一種渴望與力量，他希望John Williams描寫這種感情，而且他覺得歐比旺的主題，也就是後來的原力主題，很適合這種感情的表逹，於是John Williams做了很關鍵的調整。因此，所謂用音樂寫出表面上沒有的東西，這個進階級的配樂技法，常常需要音樂家和導演密切而用心合作下才能完成，這是最能彰顯電影配樂力量與配樂家實力的時刻之一，因為這樣做，讓電影變得比沒有音樂時更深刻，更豐富，但沒有做好反而會表錯情，或者讓觀眾難以理解。

　　我個人不覺得採用直觀對應的配樂方法是個缺點，這也和觀眾記不記得音樂沒有必然關係，它很容易操作與發揮效果，在商業電影音樂中是很管用的做法。而非直觀的配樂技巧，是電影配樂中一個很值得欣賞與討論的手法，但不表示採用這種技巧就是觀眾記得音樂的原因，就拿影片中舉的例子，哈利波特主題來說，這個主題，其實是哈利波特的貓頭鷹的主題，John Williams最初設計這個主題，是來自首集電影給他的感受，他覺得那些貓頭鷹信差就像魔法世界的連結，帶領哈利波特走入魔法世界，所以他選擇這個主題做為序曲與魔法世界的代表，它其實就是一個非直觀的配樂手法，但是觀眾不是因為這些技術細節才記得這個主題，而是因為這個主題很鮮明有趣才會記得。

　　第三點，音效或對白蓋過音樂的問題，影片又舉了個很出色的例子，就是美國隊長二，這場戲明明有很好的音樂，卻被用沒什麼意義的旁白蓋掉了。這當然不是漫威電影特有的問題。James Horner曾說每次他一坐進放映室，看完一個片段，就覺得演員都講得很賣力，錄音師，音效師也個個使出渾身解數，每個人都想得奧斯卡金像獎，電影音樂家要在這麼多聲音中，寫出觀眾能聽到，記得的音樂，簡直像在夾縫中求生存。音樂要能夠發揮，不只需要聲音的空間，也需要剪輯，畫面，劇情提供空間，剪接越緊湊的電影，音樂的發展空間可能就越小，最後常常只能以節奏，聲量，音色，這些比較不需要空間的聲音效果來進行，現代電影極限風格的配樂蔚為流行，多少也是電影表現方式影響後的結果。

　　在電影中對白或音效壓過音樂，是再普遍也不過的情形，並非漫威電影所獨有，因為對白和音效傳逹給觀眾的訊息很直接，很確定。但我想電影製作時，的確可以對音樂的力量多加思考，雖然有時相對於對白或音效，音樂的表逹力可能比較抽象而冒險，但以影片中美國隊長二的片段為例，其實音樂所表逹的內容，比流水帳般的旁白來得豐富而深刻。大家也可以參考＜戰馬＞的結尾，只有影像和音樂來說故事時，會產生另一種不同的感染力量。

　　不過在這部影片中有個片段，一些當今非常知名的音樂家談到有些電影的導演製作其實很害怕電影音樂，不希望音樂被聽見，這種說法，大家如果看看四十或六十年前的電影音樂家的訪談記錄，也都可以看到，我還滿驚訝原來這種情形，一直都沒有改變。

　　第四點，這部影片提到在電影製作過程中，使用他人的配樂當臨時音樂，甚至後來的原著配樂乾脆就直接模仿臨時音樂，結果造成漫威電影音樂不但有抄襲感，甚至因為反覆使用雷同的臨時配樂當模版，最後原著音樂也變得大同小異。

　　臨時配樂的使用，歷史非常悠久，不是漫威電影才做這件事，歷史上有黯然神傷的例子，比如Alex North的＜２００１太空漫遊＞，無法取代臨時音樂在導演心中的地位，最後原著音樂反而被棄置，也有Jerry Goldsmith對導演在＜異形＞中採用的臨時配樂抵死不從，兩人最後拆夥，僅管導演採用的臨時配樂還是Jerry Goldsmith本人的舊作。也有像John Williams，史匹伯也用了其舊作＜Image＞做為＜大白鯊＞的臨時配樂，但John Williams說服了史匹伯，他的電影一點也不像勞勃阿特曼的電影，需要的不是同一種音樂。

　　所以真正的問題是，為什麼漫威音樂的成品，走不出臨時音樂的陰影，沒有辦法有原創感，而且因為反覆使用雷同的模版，最後音樂聽起來都很像？出現這種狀況，有時是導演的問題，因為，他就是要音樂家寫和臨時音樂很像的音樂，並不打算讓音樂家自由創作，但有時音樂家也是有責任的。＜回到未來＞採用的臨時配樂據說是Bernard Herrmann的＜北西北＞，＜回到未來＞和＜北西北＞最後聽起來，一點也不像。很多音樂家都曾經成功突破過臨時配樂的限制，但的確，導演對臨時配樂的固執也會讓音樂家很挫折。

　　影片最後作者的綜合結論就是，漫威電影最後為什麼會落得如此下場，最大的原因就是他們只打安全牌，他們沒有花太多的心思精力，去開創更多可能，尤其是，為每一個電影，每一個角色，找出不同的特質與表現手法，只在當下雷同的模版和素材中彼此複製。很有效率，但失去特色。觀眾不會記得沒有特色的東西。影片作者特別指出只有大膽而原創的音樂，才能深植人心，不過我個人覺得這個說法的語氣太重了，其實音樂新不新奇，大不大膽，原不原創，都不是觀眾記不記得音樂的必要條件。

　　這些技術性的問題，如果有人寫了非常好的音樂，非常獨特的作品，那麼即使，它可能被音效掩蓋，也許它只是採用基本直觀的技巧，即使它對他人作品有所引用，這樣的音樂還是有機會讓人印象深刻，但如果音樂本身一般般，那麼技術問題會讓音樂的平凡變得更明顯與糟糕。

　　因此，拿開影片中那些見樹不見林的分析，我覺得電影音樂如果會被許多人長期而廣泛的記得，通常只是最簡單的原因，因為它是非常好的音樂。

　　大家不記得漫威電影音樂的原因，不只是因為它們用的不夠好，而是它們常常也寫得不夠好，至少，沒有好到令人難忘。令人難忘的主題不光是因為它們的位置對了，比如片頭，大家就會喜愛或記得。以星戰五為例，Darth Vader的主題就沒有出現在片頭，星戰五的小行星群飛行只出現那三分鐘，莉亞和韓的Love theme全片四散各處，我們不用等到上片尾曲，音樂可以自由完整發揮時，才意識到有這些主題，我們記得是因為它們在電影進行時引發的化學作用，最後我們在片尾曲回味它們。如果大家要等到電影演完上了片尾曲，音樂可以完整發揮時才發現：原來這是鋼鐵人的主題，那麼就表示在電影進行的過程中，這個主題可有可無。如果鋼鐵人和雷神一起出現時，我們卻分不清楚哪個旋律是誰，那就表示這些主題並沒有像標籤一樣印在角色上，讓人感到獨特與不可替代，無法彼此區別的主題，我們要如何感受他們的互動與對話？

　　我認為漫威電影音樂，是一個不太認真的商業電影音樂，我們討論這樣多，好像有點太認真了。有人會說，電影音樂的本質是一種音樂應用，大多並不是以追求原創藝術為目標，我同意，我們沒有必要要求電影音樂家在這種工作模式中，以創造令人難忘，長遠流傳的藝術為目的，然而我們也清楚知道，的確是有人可以在這種工作模式中，創作出令人難忘，長遠流傳的藝術，這種火花，未必可求，但不全然只能可遇，如果不認真以對，發生的機會就會小一些。

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The Marvel Symphonic Universe
by Every Frame a Painting